12 марта 2022. Интервью для Кати Сапоговой.

 

12 марта 2022. Интервью для Кати Сапоговой.

Вопросы к интервью:

1. Валентин Васильевич, Вы как главный исследователь ювелирной фирмы Карла Фаберже, как понимаете, в чем главный успех его деятельности? И почему в наше время нет подобных деятелей государственного значения и подобного уровня исполнения?

ОТВЕТ. Я занимаюсь изучением творчества Фаберже 37 лет, но до сих пор у меня нет окончательного ответа на вопрос, «в чем главный успех его [Карла Фаберже] деятельности». Можно  выделить не менее десяти  факторов, и ранжировать их по степени важности. Помню, Татьяна Федоровна Фаберже, с которой я имел счастье сотрудничать 30 лет, отвечала не задумываясь на этот вопрос: «Карл Фаберже умел подбирать людей» . Действительно, у Карла Густавовича на каждом этапе творческого и производственного процесса стоял лучший мастер своей профессии и специализации. Карл Фаберже был перфекционист. Татьяна Фаберже любила даже употреблять слово «гениальный». Действительно, руководил фирмой в 700 чел. (крупнейшее в мире ювелирное предприятие) в течение 45 лет сам гениальный Карл Фаберже,  главным мастером был его гениальный помощник швейцарец Франц Бирбаум (1872 – 1947). В этом году исполняется 150 лет со дня его рождения. Это был уникальный специалист: ювелир, художник, геммолог, эмальер, миниатюрист, технолог, организатор ювелирной отрасли. Не было такого вопроса, на который Франц Петрович не смог быть дать ответа или квалифицированного совета. Среди художников и скульпторов назовем  Бориса Фредмана – Клюзеля.  Что касается мастеров, то надо говорить про гениального мастера – самородка из карельских крестьян  Михаиле Перхине, Или взять ювелиров Виктора Аарне, Августа Хольмстрема, Хенрика Вигстрема.  Камнерезы – это такие мастера как Петр Кремлев и Петр Дербышев, владелец  камнерезной фабрики Карл Верфель. Заведующим магазином в Петербурге был швейцарец Михаил Гурье -  гений коммерции. И даже футлярщики у Фаберже были самыми лучшими в Петербурге и стране.

Что касается выбора фигуры, сопоставимой с Карлом Фаберже среди современных руководителей ювелирных фирм, то я не вижу таковых. Карл Фаберже оказался в нужное время в нужный момент. Он был лидером не только российского, но и мировогоювелирного искусства, что признавали и зарубежные коллеги – ювелиры и эксперты Всемирной Парижской выставки 1900 г. Но Фаберже оставил нам философия творчества, пример организации супер – предприятия.

2. Искусство - это одно из лучших проявлений человека в мире. Почему важно его изучать, развивать и сохранять?

ОТВЕТ. Искусство и культура – это код нации. Отнимите у нас искусство и мы перестанем быть нацией. Поэтому его важно изучать и развивать. Даже в эпоху тоталитарного государства существовало искусство социалистического реализма, которое сейчас является предметом собирания. Кроме того, в недрах этого искусства, художники, воспитанные в классическом духе,  продолжали создавать  пейзажи, натюрморты и даже семейную портретную живопись, которая является отражением их настроений и выражением общечеловеческих чувств. Предреволюционная, а затем советская Россия родила авангард – мощное  явление  в искусстве, оказавшее влияние на мировую живопись. Россия всегда была в русле глобального художественного процесса. Например, русские портретисты и театральные художники – эмигранты были однозначно лидерами в 1920 – 1940-х гг.

2. Валентин Васильевич, почему русская реалистическая школа живописи не теряет своей актуальности и востребованности на мировых аукционах?

ОТВЕТ. Русская реалистическая школа живописи это феномен мировой культуры. Она еще достаточно молода, порядка 150, максимум 170 лет. В мировой истории это мгновение. Поэтому, мы феномен нашей реалистической живописи еще не познали, и не поняли. Но воздействие этого феномена на культуру других стран несомненно, особенно на искусство независимых стран, ранее входивших в состав Российской империи и в состав СССР. Я бы не переоценивал успех или неуспех произведений современной (в рамках последних 50 лет) русской живописи на мировом арт-рынке. Надо еще приучить западных коллекционеров к именам русских (российских) художников. Но примеры миллионных долларовых продаж уже встречаются неоднократно. Дейнека, Мыльников, Пахомов, Кончаловский и многие другие. Это хорошо, что дорогие полотна уезжают на Запад, а теперь и на Восток (Китай) но еще лучше, если бы они оставались достоянием Родины, демонстрировались в российских музеях. В Америке, например, многие частные фонды, передающие коллекции в университетские центры или крупнейшие музеи штатов, специально оговаривают, чтобы произведения не покидали  музеи, даже на выставки в другие города и страны. «Пусть приезжают к нам и смотрят картины на месте» - заявляют кураторы. Власти штатов понимают, что туристы не только  приедут смотреть полотна, но привезут  в город деньги. То же самое мы видим в Италии, Франции и многих европейских странах. Вот почему крупнейшие музеи мира открывают свои филиалы не только в больших городах страны (филиалы Эрмитажа и тому подобные), но и за рубежом.

3.  Произведения каких художников, на Ваш взгляд, всегда будут иметь спрос среди собирателей и расти в стоимости?

ОТВЕТ. Это субъективный вопрос. Мне лично по душе классическая реалистическая живопись, особенно период после 1870 по 1940 гг. В антиквариате есть свои хронологические рамки. Антикварной считается вещь (картина) с возрастом более 50 лет. То-есть, работа 1972 года уже является антиквариатом. Но есть высшая категория антиквариата, это работы старше 100 лет, то - есть на сегодняшний день 1922 года и старше. Конечно, мне, уже в силу моего возраста,  нравятся работы ленинградских художников после 1945 года, вплоть до 1990 года. Почему 1990 года? Потому что произошел великий перелом, фактически революция (к счастью, мирная), смена  экономической формации и фактически революция в искусстве. Стало «все можно» рисовать, нет запретных стилей и жанров.И тогда выяснилось, кто чего стоит. Мне стало ясно видно, что художники  классической ленинградской школы правильно отражают мир, то – есть, выполняют задачу искусство, помогают осмыслить наше непростое время.  Очень жаль, что многие живописцы, получившие образование в священных стенах РАХ, сейчас уходят из жизни. И только тогда мы осознаем, кого мы потеряли. Начинается охота за работами уходящих «великих» ленинградцев, творивших в 1945 – 1990 гг.

4. В чем ценность и значимость выставочных проектов, особенно в наше время?

ОТВЕТ. Особенность восприятия живописи – то, что она требует непосредственного общения м полотнами, Иногда даже в разное время и в разных помещениях. Живописные работы настолько многогранны в своем философском воздействии на зрителя, что каждый раз, даже в казалось бы знакомых до последнего мазка картинах, внимательный зритель находит что-то новое. Кроме того, со временем, иногда с годами, зритель приобретает собственный опыт, как жизненный, так и художественный и открывает новые стороны творчества мастера. Книги, иллюстрированные каталоги, журналы и прочая печатная продукция, а также электронные средства массовой информации никогда не смогут заменить личного общения с картиной. Неслучайно, некоторые зрители вновь и вновь приходят на выставку и рассматривают еще раз запавшие в их душу картины, выбирают понравившихся художников, близких им по философскому отражению жизни и природы.

5. Национальное искусство - это важное явление для страны?

ОТВЕТ. Национальное искусство – это код нации. Не случайно, русское национальное искусство подвергается яростной атаке со стороны противников русской нации. Национальное искусство это не явление, а имманентно необходимое условие существования нации. Уникальность Петербурга, как объяснял акад. Д.С. Лихачев, в том, что это самый «европейский» город в части культуры для остальной России, но «самый русский» город для Запада. Достаточно оценить петербургские храмы.

Президент Российской Академии художеств Зураб Константинович Церетели, который прошел  большую академическую школу, на вопрос: «Считаете ли Вы, современному художнику  нужна академическое образование? Многие сегодня вообще не работают в традиционных жанрах» отвечал следующим образом:

— Конечно, нужно! Академическая школа — таблица умножения для художника. Это основа, на которой уже надо развивать индивидуальное отношение, показывать свой взгляд. Московская и санкт-петербургская художественные школы сегодня очень сильные. Столько талантливых художников, как в России, нет нигде. Могу громко сказать, что в Европе и Америке нет такой школы, как у нас. И дети у нас прекрасные, талантливые. Я провожу мастер-классы и вижу, как они красиво мыслят, какая у них хорошая рука. В этом — залог сохранения искусства. А искусство — наше главное достояние. Не нефть, не алюминий, а музейные ценности! И наши художественные институты как раз и существуют, чтобы дать детям направление и помочь сформировать музейное мышление. То есть ставить сложные задачи в творчестве и стремиться, чтобы твое произведение тоже стало когда-нибудь музейной ценностью. [Интервью З.К. Церетели, 2020].

6. Частные коллекции. В чем их уникальность? Кто из собирателей наиболее впечатляют Вас и почему?

ОТВЕТ.Еще 30 лет назад само понятие «частная коллекция»  было уникальным.Каждая частная коллекция уникальна, потому что у коллекции есть автор.Оценивать коллекции между собой бесполезно и не имеет  смысла, потому что все художники разные, как и коллекционеры разные по своим финансовым возможностям,  художественному вкусу и интуиции. Со временем коллекционер приобретает опыт, меняет предпочтения. Впрочем, и любимые художники также находятся в развитии. Не случайно, искусствоведы выделяют определенные периоды творчества и дают им названия. Казимир Малевич, например, в конце 1920-х гг. создал серию полотен в стиле импрессионизма и подписал их 1905-1906 гг., то есть задним числом поправил свою биографию для будущих  искусствоведов. Среди художников тоже встречаются мистификаторы и любители придумывать загадки. Мне сложно называть конкретные фамилии собирателей. Я знаю только фамилииВалерия Пустырнакова, Виктора Вексельтерга, Петра Авена, братьев Ржевских. На Западе развита система корпоративных коллекций. У нас это Музей христианской культуры (Санкт – Петербург), Русский Национальный музей, Музей русской иконы (Москва). Фамилии многих коллекционеров еще не раскрыты, по многим причинам. Коллекционеры не любят афишировать свои собрания. Пока это «частные коллекции», иногда имя собирателя становится известным при передаче коллекции в общественное пользование.

7. Можете ли Вы определить какие-то критерии или подходы для собирателей, благодаря которым их коллекции произведений искусства, могли бы иметь успешную судьбу?

ОТВЕТ.Интересный вопрос. Мне кажется таких критериев не существует. Чувство прекрасного оно субъективно и часто коллекционер действует интуитивно. Чтобы собирать предметы искусства, надо иметь крепкие нервы, но еще более, насмотренность и погруженность в историю искусства. Эмоции мешают здравой оценке, особенно финансовой оценке произведения. Исторически открываются ранее запретные темы, например, религиозное искусство. Последние 30 лет появились очень сильные школы иконописцев, в первую очередь, в Москве и Петербурге, но также в Ярославле. Это явно мощное и перспективное направление коллекционирования. В процессе теоретического изучения искусства, коллекционер раскрывает для себя совершенно новые разделы. Допустим, я не люблю Пикассо, но у его творчества есть множество поклонников. И в ситуации, когда мне нужно высказать свое мнение о художнике, можно использовать гениальную фразу Ленина: «Я не поклонник его таланта…».  В чем ее гениальность? Вы сначала признаете талант человека, а уже потом высказываете свою позицию. И совсем не обязательно поддаваться господствующей моде. Это «против течения», надо не бояться иметь свое мнение. Надо вырабатывать собственную позицию. С годами у коллекционера не только появляются новые финансовые возможности, но и проявляется ностальгирующие настроения. Вот почему я, хоть не являюсь коллекционером, во всех провинциальных музеях России и постсоветского пространства всегда спрашиваю  у кураторов и  коллекционеров картины «старого города».  Причем, меня очень понимают и руководители музеев  и охотно показывают целый залы живописи на эту тему. Так было в Екатеринбурге, Омске, Владивостоке, Хабаровске, Новосибирска,  Ростове-на-Дону, Иркутска, Казани, Нижнего Тагила, Ярославля, Костромы, Белгорода, Самары, Ульяновска, Волгограда, Симферополя, Калининграда  и многих других. Можно собирать представителей разных региональных школ,  как старых (петербургская, московская, казанская, южно-русская), так и новых, родившихся в советское время, например, сибирскую, байкальскую и приморскую. Помню, в Ростове-на-Дону меня пригласили на юбилейную выставку одного местного художника –армянина, к его 70-летию. Оглядев вернисаж, я уверенно отметил: «Ленинградская школа!», на что получил ответ, что действительно 40 лет назад художник окончил наш Академический институт имени Репина, или как тогда говорили – Академию художеств.

Что касается моих личных предпочтений, то они, в силу возраста и опыта работы в искусстве, могут показаться консервативными, но я не отрекусь ни от одной фамилии  Списке моих предпочтений. Это выпускники Санкт – Петербургской Академии художеств: Иван Владимиров, Николай Самокиш, Александр Лактионов, Исаак Бродский, Анна Остроумова – Лебедева, Михаил Аникушин, Абрам Архипов, Николай Богданов – Бельский, Аркадий Рылов, Мстислав Добужинский, Николай Дубовской, Александр Бенуа, Марк Антокольский, Кузьма Петров – Водкин, Михаил Нестеров, Василий Поленов, Иван Билибин, Василий Верещагин, Борис Кустодиев, Архип Куинджи, Валентин Александрович  Серов, Иван Шишкин, Михаил Врубель, Василий Суриков, Илья Репин, Исаак Бродский, Юлий Клевер. Многие  произведения  этих авторов я имел счастье наблюдать и даже изучать непосредственно, в том числе во время моих многочисленных командировок в Лондон, Нью-Йорк, Женеву, когда я, будучи консультантом Аукционного дома «Кристи» выезжал на аукционы, иногда по несколько раз в году.  Особенно мне нравится прослеживать цепочки «учитель – ученик». Исаак Бродский ученик Ильи Репина, А Александр Лактионов -  ученик Бродского. Это многое объясняет в непрерывности и мощи петербургско – ленинградской реалистической школы живописи.

 

Что касается современной живописи, то меня увлекает Ленинградская школа живописи 1950-1990 гг.Явление, относящееся к большой группе художников, которые развивались в Ленинграде вокруг реформированной Академии художеств в 1930-1950 годах и были объединены Ленинградским союзом советских художников. Я семь лет работал экспертом в Музейно-выставочном центре «Петербургский художник» (на набережной реки Мойки, 100), писал статьи  в одноименный журнал «Петербургский художник.  Мои предпочтения - мастера пейзажной живописи 1950-1990:Борисенков, В. Овчинников. Галахов, Варичев, Тимков. С. Осипов, В. Тетерин, Арс. Семенов, Ю. Непринцев, А. Коровяков, Г. Савинов, Ркйхет и еще более двух десятков фамилий.

8. Как Вы считаете, из каких показателей формируется оценочная стоимость живописной картины ?

Оценка живописных картин на аукционах и на арт-рынке формируется по методупрецедентов. В любом случае нужны факты и цифры предыдущих рыночных продаж. Французский арт-справочник «Бенезит» практически всегда старается указать цены на произведения художника. Конечно, имеет огромное значение творческая и галерейная биография художника и его картин. Помню случаи, когда в галерею «Петербургский художник» в начале 2010-х гг.  приходили китайские покупатели, разворачивали какие –то свои записи и сходу спрашивали: «Народные и заслуженные художники есть?». Для них это важный показатель. Но и для нас тоже. Важно количество произведений. Например, Пикассо оставил наследникам 8000 арт-объектов. У Айвазовского эксперты считаю 5000 произведений, но на рынке вы встретите не менее 15000 «Айвазовских». Но художник Василий Суриков создал только порядка десяти крупных полотен, но при этом порядка  400-500 этюдов к этим картинам. Очень важно количество копий. Например, картина русского художника – реалиста Василия Максимова  (1844 – 1911) «Всё в прошлом» (окончена в 1889, принадлежит Государственной Третьяковской галерее). Авторских копий 48. Так что, если антиквару принесут такую картину, не спешите отказываться от нее. Возможно это авторская копия Максимова. Много авторских копий исполнял Алексей Саврасов (1830 – 1897) или тот же Айвазовский. Конечно, авторские копии, в зависимости от их количества, ценятся ниже оригинала. И среди работ художников советского и пост-советского периода много встречается копий, например, цветов и пейзажей. . Но проблема не в этом. Уже встречаются квалифицированные подделки живописцев послевоенного периода. Вот почему очень важно изучать провенанс предмета, его бытование, движение на рынке. В нашей послевоенной истории, к сожалению, это самое узкое место. Никто не фиксировал, в отличие от западных коллекционеров, цены сделки (художник-коллекционер), а это иногда были значительные суммы. Нет налаженной страховой системы. Вот почему  довольно сложно дать страховую оценку предмета. После Отечественной войны государственная комиссия под руководством акад. И. Грабаря  пыталась дать денежную оценку погибших или пропавших предметов искусства из музеев СССР. В первую групп попадали многофигурные полотна. Во вторую – портреты. В третью – пейзажи, в четвертую – натюрморты. Оплачивает страховку принимающая галерея, которая заинтересована в минимизации расходов, а художник, естественно, заинтересован получить настоящую компенсацию при «страховом случае».

Отмечу еще раз, что рыночная оценка живописного произведения представляет собой сложную задачу, поскольку настоящий арт-рынок России еще слишком молод, ему менее 30 лет.